课程开始前：
我想先问大家一个问题——如果达芬奇活在今天，他会用iPad还是数位板来画《蒙娜丽莎》？如果米开朗琪罗要重刻《大卫》，他会不会先在ZBrush里建个三维模型？这些看似玩笑的问题，其实藏着当代艺术最鲜活的变革密码——CG艺术，正以数字为笔、代码为墨，在传统艺术的土壤里生长出一片全新的美学宇宙。
一、什么是CG艺术？它是数字时代的“艺术瑞士军刀”
要理解CG艺术，我们得先拆解它的名字：CG是Computer Graphics（计算机图形学）的缩写，简单说，就是用计算机技术创造视觉内容的艺术形式。它不是某一种具体的画种或动画类型，而是一把覆盖多领域的“艺术瑞士军刀”——黑神话悟空知道《黑神话：悟空》吗？那些毛发根根分明的猴子、充满东方神韵的山水场景，是游戏开发者用UE5引擎一点点“捏”出来的；还有2019年重制的《狮子王》，草原上的每一片草叶、辛巴眼中的每一束光，都是通过三维建模和渲染技术还原的；还有阮佳为这部电影绘制的概念插画——那些充满张力的角色设计稿，是画师在数位板上用压感笔“擦擦画画”几个小时后的成果。
从静态的数字插画到动态的电影特效，从电子游戏的角色立绘到元宇宙里的虚拟建筑，CG技术的触角早已渗透进我们生活的每个视觉角落。它的本质，是数字技术与艺术表达的深度融合：技术提供工具，艺术注入灵魂。
二、CG艺术VS传统艺术：当数字工具遇见千年手感
提到艺术，很多人第一时间想到的是画布上的油彩、黏土里的雕塑，或是宣纸上的水墨。这些传统艺术与CG艺术最大的区别，藏在工具、流程与美学表达里。
1. 工具：从物理媒介到数字界面
传统艺术家离不开“老伙计”：画家需要画笔、颜料和画布，每一笔下去，颜料的流动、纸张的肌理都会留下独特的痕迹——比如水彩的晕染像云雾般自然，铅笔的颗粒感带着手作的温度；雕塑家则要和石材、黏土较劲，凿刀的力度、泥土的可塑性决定了作品的最终形态。
而CG艺术家呢？他们的“工具箱”里装着数位板、建模软件（比如能雕刻出毛孔细节的ZBrush）、渲染引擎（比如能模拟真实光照的UE5）。画插画时，画错了就按Ctrl+Z撤销；做3D模型时，觉得某个部位不够流畅，调调参数就能重新优化。数字工具最大的魅力，是把“不可逆”的创作变成了“可迭代”的探索——就像搭积木，搭错了可以拆了重来，直到找到最满意的那一种可能。
2. 创作流程：从“一笔定终身”到“无限修改权”
传统艺术的创作过程往往带着“仪式感”甚至“冒险性”。比如油画，颜料一旦覆盖就很难完全擦除；水墨画，墨汁渗进宣纸的瞬间就无法更改。很多大师的经典作品，恰恰是因为那些“偶然的笔触”或“无法复制的失误”而成为独一无二的存在——比如《哀悼基督》（米开朗琪罗的雕塑），每一道衣褶的起伏都带着手工凿刻的温度，连修复师都不敢轻易改动。
但CG艺术完全不同。它像一个“数字草稿本”：画插画时可以随时调整构图，觉得色彩太艳？调个色相就行；做3D角色时，发现某个关节的拓扑结构不合理？拆开模型重新布线就好。这种“无限修改权”让创作容错率大大提升，也让艺术家更敢尝试大胆的想法——毕竟，试错的成本从“毁掉一幅画”变成了“点几下鼠标”。
3. 视觉美学：从文化积淀到技术奇观
传统艺术承载着深厚的文化基因。中国水墨画的留白，藏着“此处无物胜有物”的哲学；西方油画的明暗对比，讲述着“光影叙事”的故事；敦煌壁画的矿物颜料，历经千年依然鲜艳，本身就是历史的见证。这些作品的珍贵，不仅在于画面本身，更在于媒介的物质性——比如绢帛的质感、颜料的氧化痕迹，都是时间留下的“指纹”。
而CG艺术则擅长突破现实的边界。它能让你看到“二维画面突然变成三维空间”的梦境切换（比如《英雄联盟》手游CG里塞娜的穿越场景），也能模拟出“金属在阳光下反光的细腻层次”“动物毛发随风飘动的真实动态”（比如《最终幻想》电影里接近真人的角色皮肤）。它用技术实现“超现实”，却依然服务于最本质的艺术目标——传递情感与思想。
当然，有人会问：“既然CG作品可以无限复制，那它还算艺术吗？”这是个好问题。传统原作的唯一性确实让它成为收藏市场的焦点，但NFT技术的出现正在为数字艺术开辟“稀缺性认证”的新路径——就像给每幅CG作品盖上一个独一无二的“数字印章”，让它在虚拟世界里也能拥有“原作”的身份。
三、二维与三维：CG艺术内部的“左右手互搏”
在CG艺术的大框架里，还有两个重要的分支：二维艺术与三维艺术。它们像是艺术家的“左右手”，各有擅长的领域，又彼此影响、相互融合。
1. 核心区别：平面VS立体，手绘VS建模
二维艺术（2D）生活在“平面空间”里——比如《千与千寻》里手绘的水上列车，画师用线条和色彩的叠加营造出纵深感，但本质上每一帧都是平面的；三维艺术（3D）则构建“立体空间”——比如《超人总动员》里的角色模型，你可以从任意角度观察它，甚至能看到光线如何在它的皮肤上反射。
制作流程上，二维艺术通常是“画关键帧→补中间帧→上色”，像传统动画那样逐帧绘制；三维艺术则是“建模（搭建基础形状）→绑定骨骼（让角色能动）→贴材质（给表面加纹理）→打灯光渲染（模拟真实光照）”，更像是在虚拟世界里“造物”。
2. 视觉效果：风格化VS逼真感
二维艺术往往更风格化——比如《梦境对决》里的手绘特效，夸张的线条和浓烈的色彩能直接传递情绪；三维艺术则追求逼真物理模拟——比如金属的反光会根据视角变化，毛发的运动能模拟出风吹的效果，甚至连皮肤下的血管都能通过次表面散射（SSS）技术呈现出来。
不过，现在的优秀作品常常打破界限。比如《哈尔的移动城堡》里，二维的哈尔与三维的机械城堡同框，通过“三渲二”（Cel-shading，让三维模型看起来像二维手绘）技术让两者风格统一；再比如一些游戏，角色是三维建模，场景却用二维手绘贴图，反而碰撞出独特的视觉趣味。
四、结语：工具会变，但艺术的灵魂永远鲜活
从岩洞壁画到数字屏幕，艺术的本质从未改变——它始终是人类表达情感、记录时代、探索世界的方式。CG艺术不是传统艺术的“替代者”，而是技术变革催生的“新容器”。它用数字工具突破了物理媒介的限制，让我们能看到更广阔的想象空间；它用三维技术赋予虚拟对象“真实感”，又用二维艺术保留着风格化的纯粹。
当我们看到南宋的龙纹从绢帛飞入数字云端，当赛娜在二维与三维的边界自由穿梭，我们会发现：真正永恒的从来不是工具，而是艺术家手中的创造力——那是无论用画笔、数位板还是建模软件，都能点燃的人类情感之光。
或许未来的某一天，我们会在博物馆里看到这样的展览：左边是米开朗琪罗的《大卫》雕塑，右边是用CG技术复原的“数字大卫”，旁边还有一段用VR技术呈现的“大卫建造过程”互动体验。到那时，我们会更深刻地理解：艺术的形式在变，但人类对美的追求、对故事的讲述、对灵魂的触碰，永远不会变。